Héctor Aricó

Durante los siglos XII y XIII, en la temprana Edad Media, las cortes más instruidas de Europa fueron las de los nobles provenzales. Por entonces la extensa Provenza no formaba parte de Francia sino que estaba adherida al reino español de Aragón.

Tanto las tradiciones de los griegos establecidos en Marsella como las costumbres romanas influyeron en los provenzales, quienes incluso adoptaron todo lo que habían aprendido de la cultura hispanomorisca en los siglos XI y XII. El resultado fue una raza de guerreros cantores llamados trovadores (especie de juglares que además eran guerreros; en Alemania se los conoció como minnesingers) que cuando no estaban peleando, solían reunirse en algún jardín o bosque cercano para discutir problemas de su interés o intercambiar canciones y poemas. Sus esposas presidían las distintas discusiones actuando como jurado. Estos encuentros se efectuaban al aire libre porque las casas y los castillos poseían ventanas pequeñas, lo que provocaba interiores muy oscuros.

La danza también formó parte de dichas reuniones puesto que la mayoría de las canciones interpretadas estaban estructuradas en base a los ritmos bailables de la época.
Hasta la aparición de los trovadores existió un baile llamado carole (carola) que servía de recreación para los encuentros. Su nombre significa que la música debe cantarse y esto lo hacían los mismos bailarines participantes. Era una danza colectiva que los intérpretes ejecutaban tomados de las manos.

Hubo dos formas de carole: la farandoule (farándula), heredada de los griegos, que luego se convirtió en la danza nacional de Provenza y el branle o ronde que se bailaba en ronda. Algunos autores franceses opinan que las palabras branle y ronde son sinónimos y significan ronda; otros en cambio, dicen que el término branle viene del verbo branler que en francés quiere decir balancear, tal cual el característico desplazamiento de izquierda a derecha que efectuaban los bailarines al ejecutar esta danza.

La farándula consistía en una línea de bailarines tomados de las manos, cuyo primer intérprete podía ser varón o mujer y era el encargado de dirigir el baile. Como se ejecutaba al aire libre, el bailarín-guía solía desplazarse por los jardines o bien por las calles del pueblo, aunque si lo deseaba, podía conducir el baile en un sector determinado.

El branle, en cambio, era una ronda que también se ejecutó al aire libre pero sus desplazamientos se efectuaban solamente hacia la izquierda y la derecha. Los más comunes fueron el branle simple, el branle doble, el branle gai y el branle coupé.
La duración de todas estas carole dependía del criterio de los bailarines y músicos participantes.

La iconografía de la época demuestra que la farándula fue más popular en Italia y el branle en Francia, mientras que en Provenza ambas gozaron de idéntica vigencia.
Estos bailes colectivos no satisficieron a los trovadores cuyo sistema social estaba basado en el deber del hombre hacia la mujer elegida; entonces ellos crearon la estampie que era una danza ejecutada en pareja o en algunas ocasiones por un varón con dos mujeres. Como dos o tres voces no podían sustituir al coro de las carole, la estampie sólo se interpretó con acompañamiento instrumental e incluso su duración era limitada, tenía principio y final.
Dicho modo de bailar dio grandes resultados porque cada pareja podía desplazarse libremente, tanto sea avanzando o retrocediendo, además de hacer alguna innovación por su cuenta. Esto abrió las puertas a nuevos desenvolvimientos en la forma futura de la danza. Y lo mismo ocurrió con la música que dejó de ser el simple acompañamiento del canto para adquirir su total independencia. Los diferentes tipos de estampie fueron la simple, la doble y la gai. También se bailó al aire libre, aunque su forma coreográfica tenía todas las características de las danzas de interior y de hecho se practicó en los salones a comienzos del siglo XIV.
El advenimiento de las cruzadas Albigenses, en 1208, fue el motivo por el cual los trovadores se expandieron por el resto de Europa, en especial hacia toda Francia, Italia, Alemania e Inglaterra donde fueron bienvenidos por sus canciones y danzas que con el correr del tiempo recibieron la influencia local.
En el siglo XIV las reuniones bailables comenzaron a realizarse en el interior de los castillos, palacios y en menor escala, en las casas de los mercaderes ricos; por tal razón las danzas se adaptaron a espacios más reducidos. El centro de actividad era el salón que poseía un lugar destinado para los músicos, una especie de plataforma donde se situaban el dueño de casa con su familia y los invitados de honor, y un espacio más amplio para las celebraciones. En éste se colocaban grandes mesas para las comidas y una vez finalizadas se retiraban hacia el final del salón, dejando solamente una serie de bancos alrededor del lugar dispuesto para la danza. Para comenzar, las parejas efectuaban una caminata a lo largo del salón y luego, antes de iniciar el baile, los intérpretes ofrecían una reverencia a los anfitriones en honor a su presencia, cortesía que repetían al concluir la danza. Esta costumbre perduró durante los siglos venideros. Cuando se interpretaba una estampie, por ser un baile de pareja, los anfitriones e invitados de honor no compartían la danza con el resto. Ocurría lo contrario en la ejecución de los branles o la farándula en que todos debían unirse, aunque se separaban en grupos de jóvenes y gente mayor.
El único baile que surgió en este siglo fue el trotton (treten), proveniente de Alemania. Al principio los italianos lo llamaron trotto pero después le cambiaron el nombre por el de saltarello tedesco o German saltarello, mientras que en otros sitios fue conocido como almain, allemande o alemanda que significa danza alemana. Fue el primer baile de esparcimiento que se ejecutó en procesión, esto es, que todas las parejas avanzaban, una detrás de la otra, hasta un extremo del salón y allí giraban para regresar al lugar donde había comenzado la danza. También era frecuente que del mismo modo avanzaran circularmente en el sentido contrario al de las agujas del reloj.
Ciertas fuentes sostienen que la alemanda fue un branle de Bourgogne (Borgoña) danzado hacia adelante a la manera de una estampie. Ello hace suponer la inserción previa de los bailes provenzales en Alemania mediante los trovadores. El siguiente episodio de algún modo refuerza dicha teoría: Cuando Beatrix de Bourgogne viajó a Alemania en 1156 para contraer matrimonio con el emperador Frederick Barbarossa, llevó consigo a Guiot de Provins, el trovador de su corte. En esa ocasión Guiot obsequió a los novios una danza en su homenaje y es lógico que la misma haya tenido todas las características del baile provenzal y de Borgoña. En el curso de tantos años dicha danza, sin duda, recibió las influencias locales hasta que finalmente fue reconocida como danza alemana.
A lo largo de este siglo, en Francia continuó gozando de especial interés el branle, sobre todo el llamado coupé. En Italia la estampie acompañada de la alemanda. En España la estampie y la alta que es el nombre adjudicado en este país a la alemanda. Y en Inglaterra, según la iconografía, la alemanda llegó poco antes de 1350 cuando aún se practicaba la farándula.
En el siglo XV la sociedad francesa fue muy artificial, comparada con los otros países de Europa. Los castillos se enfriaron con la metálica música de sus estridentes trompetas. Todo en la vida social sobrevino más formal, más sistemático y muy ajustado a reglas fijas.

La basse danse (danza baja), proveniente de la estampie y los branles, fue el baile protagonista de esta época y reflejó esas tendencias. Sus pasos debían efectuarse conforme a determinadas normas prefijadas.
Como resultaba difícil recordar el orden de todos los pasos, se los dispuso en grupos y cada uno recibió el nombre de measure (medida) debiéndose ejecutar a su debido turno.
Cuando los bailarines sabían con cuál pie iniciar y cómo debía efectuarse cada paso sólo era necesario anotar el orden coreográfico. A tal efecto se escribieron con la inicial de sus nombres: R. Reverencia / b. branle / s. un paso simple / ss. dos pasos simples / d. un paso doble / dd. dos pasos dobles / ddd. Tres pasos dobles / r. reprise / c. congé.
– R. Reverencia: En la temprana Edad Media, cuando el varón deseaba mostrar respeto se ubicaba de frente a la persona y apoyaba una rodilla sobre el piso; la mujer hacía lo propio pero con las dos rodillas. Durante el siglo XV, para ambos sexos, se reemplazó dicha actitud por la de llevar el pie derecho detrás del izquierdo apoyándolo en media punta y luego flexionar las rodillas, manteniendo el peso del cuerpo sobre la pierna izquierda. El torso podía flexionarse hacia adelante o bien permanecer erguido de frente a la persona a quien se ofrecía la reverencia. Al concluir la cortesía el pie derecho se ubicaba a la par del izquierdo con los talones juntos y las puntas hacia afuera. Además, el varón se quitaba el sombrero antes de la reverencia y lo apoyaba sobre su pecho con la parte interior hacia él, y cuando finalizaba el saludo se lo volvía a colocar.
– b. branle: Era un movimiento de cortesía asociado con la reverencia y se realizaba durante la danza en reemplazo de ésta.
– s. un paso simple y d. un paso doble: Son los equivalentes al ‘simple hacia adelante’ y el ‘doble hacia adelante’ de la estampie.
– r. reprise: Se escribía con minúscula para diferenciarla de la reverencia. Era una especie de saludo que se efectuaba sobre la marcha.
– c. congé: Pequeño saludo que el varón le ofrecía a su compañera cuando finalizaba la primera parte del baile. Luego la conducía de la mano hasta el extremo del salón donde había comenzado la danza y allí iniciaban la próxima parte.

Thoinot Arbeau, en su Orquesografía -libro escrito en forma de diálogo que él mismo mantiene con su alumno llamado Capriol-, indica que la basse danse también podía ser interpretada por un varón con dos mujeres. Thoinot Arbeau fue el seudónimo utilizado por Jehan Tabourot, sacerdote católico canónigo de Langres, nacido en la ciudad francesa de Dijon en 1519. Las estructuras coreográficas de la basse danse fueron tan variadas que es difícil establecer una forma inicial determinada y al respecto el eminente musicólogo alemán Curt Sachs señala: “En consecuencia, cada basse danse es coreográficamente distinta de todas las demás; cambia el número de movimientos.
Es por lo tanto imposible, antes de la cristalización del esquema en el siglo XVI, componer basses danses por adelantado”.
Así fue que la definitiva forma de la basse danse francesa se concretó en la primera mitad del siglo XVI cuando se le incluyó una tercera parte.
Arbeau le explica a su discípulo Capriol: “La basse danse completa contiene tres partes. La primera se llama basse danse, la segunda, retour de la basse danse y la tercera y última, tordion (turdión). He incluido aquí una anotación escrita de la misma para que podáis aprenderla de memoria. basse danse: R b ss d r d r b ss ddd r d r b ss d r b c /
retour de la basse danse: b d r b ss ddd r d r b c (…) Y después de la basse danse y del retour de la basse danse podéis empezar a bailar el tordion, el cual se realiza en tiempo ternario como la base danse. Pero es más ligero y animado”.
Otras danzas populares de este siglo fueron la quaternaria, la piva, la morisca y la calata.
Mientras en Francia la estructura social medieval agonizaba, Italia disfrutaba de la armonía del Renacimiento.
El redescubrimiento de las viejas enseñanzas griegas trajo nuevas ideas de orden, proporción y belleza. Los italianos, tan afectos al arte, produjeron muchas esculturas y pinturas en esta época. Uno de los artistas más populares de la corte de Ferrara -en Lombardía- fue el caballero Domenico di Piacenza, más conocido como Domenico di Ferrara. Su especialidad fue la danza y aunque nunca escribió nada al respecto, existen muchos manuscritos de sus alumnos en los que es recordado como un gran maestro.

Domenico fue un verdadero innovador. Todo el material que llegaba a sus manos lo moldeaba hacia una nueva forma y esto lo convirtió en la cuna del estilo lombardo de danza. Los bailes favoritos en Italia durante este siglo fueron la basse danse y el saltarello.
No hay ningún documento que confirme si Domenico fue el responsable de la elaboración de la base danse italiana, pero como él ya estaba trabajando en Ferrara cuando esta danza comenzó a practicarse enFrancia, es muy posible que la sistematización de la versión italiana le pertenezca.
Así como la basse danse francesa provino de la estampie y los branles, la versión italiana tuvo su origen en la estampie y la farándula. Además, Domenico di Ferrara creó una nueva forma de danza llamada ballo (baile); compuso muchos diferentes en los que variaba la cantidad de bailarines participantes. Cada ballo tenía su propia música, compuesta especialmente para la coreografía. Uno de los que quedaron registrados era interpretado por una mujer y cinco varones; su compañero y otros cuatro mozos que durante el argumento coreográfico intentaban separarla de aquel.
Este gran maestro poseía un especial sistema de trabajo. Según los manuscritos, para que sus alumnos pudieran interpretarlo debían sumergirse en la mitología clásica, observar el vuelo etéreo de los pájaros y el camino que trazaba un bote sobre el agua.
Él decía que el bailarín debía elevarse y caer graciosamente como una góndola sobre las pequeñas olas del lago, y que debía bailar con sentimiento e imaginación porque de otro modo fallaría. Su filosófica definición de danza permite captar su pensamiento: “La danza revela la dulce armonía creada en nuestros corazones por la música; esa dulzura y armonía encarceladas dentro nuestro se resisten a salir, excepto que puedan dar como resultado un hermoso movimiento”.
Después de este concepto resulta difícil pensar que el especial Domenico contara ¡un, dos, tres… y! en sus clases de baile. En el transcurso del siglo XVI las manifestaciones del siglo XII llegaron a su lógica conclusión. Tanto la danza como otros factores de la vida social sufrieron especiales cambios para dar origen -en el primer cuarto del siglo XVII- al florecimiento de nuevas líneas. Se produjo una mayor distinción entre las danzas populares y las cortesanas, aunque ambas continuaron influyéndose mutuamente.
Los bailes más característicos de esta época fueron la pavana (de discutido origen español), la volta, la gallarda, el canario y la allemande francesa.
Thoinot Arbeau cita tres tipos de pavana: la española, la francesa y la italiana (conocida en este país como passamezzo). Además, dice que la volta es una especie de gallarda muy popular entre la gente de Provenza y que la allemande francesa proviene de la antigua alemanda del siglo XIV.
La gallarda surgió en Lombardía -Italia- hacia fines del siglo XV; es la combinación del antiguo branle gai, la estampie gai, el pas de brébant (nombre francés del saltarello) y el turdión.
En el primer cuarto del siglo XVII Francia pasó a ser el gran centro de radiación de cultura del mundo occidental. En el pasado europeo se habían escrito muchos libros sobre cortesía para la instrucción de los niños; en especial trataban acerca del buen modo al comer, sobre todo la carne que debía ser tomada pulcramente con los dedos. A partir de este siglo se escribieron otros libros sobre civilidad para los adultos que contenían todo lo necesario para aspirar a ser una persona de calidad. Además, comenzó a usarse el tenedor en las comidas y se proclamaron normas de buen comportamiento al sentarse a la mesa.
En cuanto a la danza, retornó la suite de branles pero no como en su forma antigua sino compuesta de la siguiente manera: branle doble, branle simple, branle gai y al final el branle de Borgoña. En Inglaterra fue conocida como branles franceses o brantle, aunque se practicó más tarde dado que para esta época gozaban de especial interés las contradanzas inglesas (country dances; la primera colección aparece en The English Dancing Master, libro publicado por John Playford en 1651).
Otras danzas que alcanzaron mucha difusión en este siglo fueron la zarabanda, la chacona y la courante (coranto o corrente) que en sus orígenes fue un baile de galanteo con pantomima final al cual esta últimaparte se le suprimió hacia mediados de siglo. Y a propósito Louis Horst señala: “La primera forma de la courante, denominada corrente (del latín, curro: correr), provino indudablemente de Italia. (…) Fue unade las danzas llevadas de Italia a Francia por Catalina de Medici”.

En 1661 el rey de Francia Luis XIV, quien según dicen los documentos fue un excelente bailarín, fundó la Académie Royale de Danse (Academia Real de la Danza) donde incorporó a todos los maestros más conocidos de la época. Además, nombró director de este nuevo instituto a su maestro de danza Charles- Louis-Pierre de Beauchamps. El trabajo inicial que realizó dicha academia fue la sistematización de los pasos y coreografías de las danzas francesas. Probablemente el primer baile que elaboró fue el menuet (minué). En su forma original como branle de Poitou todo quedaba librado a la decisión del bailarínguía y el maestro Beauchamps lo redujo a danza de pareja independiente, determinando la cantidad de figuras y pasos necesarios para su ejecución. Al respecto Curt Sachs escribe: “Los movimientos cerrados predominan y persisten hasta hoy: el paso se hace menu (menudo) y hasta menuet, diminutivo del vocablo anterior del cual deriva el nombre de la danza”.
Los dos hechos fundamentales vinculados a la Academia Real de la Danza que influyeron en el futuro curso de la historia de la danza fueron: la sistematización de todos los bailes que luego se interpretaron a lo largo del siglo XVIII y el inicio de un entrenamiento profesional para bailarines de ambos sexos en el noble estilo de bailar.
Siempre se consideró al minué como la gran danza del siglo XVIII y verdaderamente así lo fue, pero a partir de que desplazó a la coranto, porque en realidad ya era conocido desde mucho tiempo antes que finalizara el siglo XVII.
Asimismo hubo otros bailes del siglo XVII que prosiguieron al minué antes que éste se convirtiera en la danza por excelencia; entre los más destacados están la bourrée, el paspié, el rigodón, la loure, la jiga y la polonesa.
Durante el siglo XVIII tanto en Francia como en Inglaterra el punto focal de la danza cortesana era el cumpleaños del rey. Para esta ocasión el maestro de danza de la corte componía un baile especial que además se imprimía en estenocoreografía (sistema de notación coreográfica creado por el gran maestro Raoul-Auger Feuillet, miembro de la Academia Real de la Danza) para la efectiva circulación entre los otros maestros y también para la venta al público. Todo aquel que deseaba asistir al festejo debía saber la nueva danza, lo que resultó muy prolífero para la actividad de los maestros.
La mayor parte de los bailes de este siglo fueron creaciones individuales de renombrados maestros como Louis Pécour quien compuso varias coreografías para bailarines profesionales y aficionados. Entre las danzas más practicadas estaban el minué, la bourrée, el paspié, la loure, el rigodón, la hornpipe (en Inglaterra) y la gavota. De todas ellas el minué alcanzó el mayor prestigio, siendo casi el único baile que no sufrió modificaciones hasta 1765 cuando surgió una nueva forma de bailarlo.
Simultáneamente, en España gozaron de mucha vigencia el fandango y el bolero.
Desde comienzos de siglo las contradanzas inglesas también adquirieron gran popularidad en Europa y ello se debió a que podían bailarse al mismo tiempo por todas las parejas que lo desearan, en oposición a los bailes franceses que en su mayoría eran de pareja independiente. Pero además, en Francia surgió una danza llamada cotillón que se bailaba de cuatro parejas y que no era nada más que la contradanza inglesa modificada. Hacia finales de siglo su coreografía se redujo a dos parejas, convirtiéndose en la conocida
cuadrilla que junto a su sucesora los lanceros y los bailes de pareja enlazada como el vals, la polka, la galopa, la mazurka y el chotis conformaron el variado repertorio del siglo XIX.
A continuación se presentan algunas descripciones coreográficas y sus elementos físicos.
farándula (siglos XII y XIII) Es una carola en la que pueden participar un número ilimitado de bailarines que tomados de las manos abajo forman una línea.
El bailarín del extremo que tiene su mano izquierda libre la coloca en la cintura y es el bailarín-guía o conductor, encargado de dirigir el baile. El último bailarín coloca su mano derecha en la cintura.
Paul Bourcier utiliza el término chorea como sinónimo de carola y al respecto dice: “La chorea es una danza en forma de círculo abierto [farándula] o cerrado [branle], muy practicada con el nombre de carola en la Edad Media, hasta el siglo XIII inclusive”.

La farándula posee cinco figuras cuyo orden puede variar. Una de ellas permite cambiar de bailarín-guía, es decir, rotar el rol de conductor. Cada figura puede iniciarse con cualquier pie y no tiene una duración musical determinada. Durante toda la coreografía se utilizan dos pasos: el ‘paso salto’ cuando la línea se desplaza libremente (figura 1) y el ‘paso arrastrado’ para el resto de las figuras.
Figura 1: La línea conducida por el bailarín-guía se desplaza en dirección recta, circular o serpenteada (sinuosa) por todo el espacio disponible hasta que el conductor lo desea y cambia de figura.
Figura 2: Es la que permite rotar el conductor. Para realizarla el bailarín-guía se enfrenta con el segundo al mismo tiempo que ambos detienen el desplazamiento pero continúan bailando en el lugar y elevan las manos tomadas, derecha del conductor con izquierda del segundo, formando un arco. Después el tercer bailarín suelta su mano izquierda del segundo y pasa a encabezar la línea que avanza por debajo del arco. Cuando el último bailarín está por atravesar el arco toma con su mano derecha la izquierda del bailarín-guía original quien pasando por debajo de su propio brazo derecho se convierte en el anteúltimo bailarín de la línea y así, el que era el segundo pasa a ser el último. Esta figura puede efectuarse cuantas veces se desee, en continuidad o intercalada con otras, incluso hasta que el bailarín-guía original vuelva a cubrir ese rol.
Figura 3: Es la conocida como caracol. El conductor se desplaza circularmente hacia la izquierda y en dirección al centro hasta que la línea forma una espiral. Cuando el bailarín-guía alcanza el centro hace contragirar al segundo por debajo de su brazo derecho y elevando las manos tomadas, derecha del conductor con izquierda del segundo, forman un arco. Enseguida ambos avanzan en dirección contraria a la que viene la línea, provocando que la misma vaya pasando por debajo del arco y siga el camino que tomó el segundo bailarín hasta desandar por completo el caracol.
Figura 4: Por iniciativa del bailarín-guía todos elevan las manos tomadas formando arcos a la vez que la línea detiene el desplazamiento en ubicación semicircular y cada intérprete baila en el lugar. Luego el conductor avanza por debajo del arco que forman el segundo y tercer bailarín; después continúa avanzando por debajo del arco que forman el tercero y el cuarto, y así sucesivamente. La trayectoria del bailarín-guía es sinuosa mientras pasa por debajo de todos los arcos que a su turno se van desarmando sin soltarse las manos.
Figura 5: Es posible que varias líneas bailen simultáneamente. Si dos de ellas estuvieran efectuando un desplazamiento recto y se encuentran, deben cruzarse a partir de los conductores. Cada bailarín a su debido turno se suelta para cruzarse con uno de la otra línea y luego vuelve a tomarse con los de la suya; de este modo lo hacen todos hasta que las dos líneas se hayan cruzado por completo.

Elementos físicos
Los nombres de estos pasos pertenecen a la metodología creada por la Escuela Nacional de Danzas. Ambos se mecanizan comenzando con el pie izquierdo a modo de ejemplo.
paso salto
1º mov. – El pie izquierdo avanza con un paso corto y apoya de planta, recibiendo el peso del cuerpo; al mismo tiempo y con flexión de rodilla el pie derecho se eleva y queda en el aire.
2º mov. – El pie izquierdo -mientras el derecho permanece en el aire- realiza un pequeño salto en el lugar y apoya nuevamente de planta, recibiendo el peso del cuerpo.
La ejecución se asemeja al salticado gimnástico. El próximo paso comenzará con el pie derecho.

paso arrastrado
1º mov. – El pie izquierdo avanza con un paso muy corto arrastrando la media punta sobre el piso con leve flexión de rodilla y luego desciende el talón para apoyar de planta, recibiendo el peso del cuerpo.
2º mov. – El pie derecho avanza del mismo modo con un paso más largo hasta apoyar de planta un poco más adelante que el izquierdo, recibiendo el peso del cuerpo.
La ejecución se asemeja al trote gimnástico pero deslizando las plantas de los pies sobre el piso. El próximo paso comenzará nuevamente con el pie izquierdo.

Branle (siglos XII y XIII)
Es una danza colectiva en la que pueden participar un número ilimitado de bailarines que tomados de las manos abajo forman una ronda. Los pasos se efectúan solamente hacia la izquierda y la derecha mientras los torsos se orientan hacia dichos laterales. Es factible el aumento paulatino de la velocidad musical y en consecuencia la mayor agilidad de los pasos. El desplazamiento general es hacia la izquierda, por lo tanto los pasos en esta dirección deben ejecutarse con mayor amplitud y cuando la ronda se mueve hacia la
derecha se efectúan casi en el lugar.
Los pasos que se utilizan son los siguientes: ‘doble hacia la izquierda’, ‘doble hacia la derecha’, ‘simple hacia la derecha’ y ‘paso de branle gai’.
En cada tipo de branle la secuencia coreográfica consta de uno o dos pasos que se repiten en continuidad hasta que los bailarines y músicos lo deseen.
Para el branle simple: un ‘doble hacia la izquierda’ y un ‘simple hacia la derecha’.
Para el branle doble: un ‘doble hacia la izquierda’ y un ‘doble hacia la derecha’.
El branle gai posee un solo paso que es propio y se efectúa continuamente hacia la izquierda.
En el branle coupé se combinan los pasos ‘doble hacia la izquierda’, ‘doble hacia la derecha’ y ‘simple hacia la derecha’ conforme a las frases musicales de 6 u 8 c. y al orden en que las mismas se presentan dentro de la estructura total de la música. Para las frases de 6 c. se efectúan un ‘doble hacia la izquierda’ y un ‘simple hacia la derecha’, en cambio, para las frases de 8 c. se ejecutan un ‘doble hacia la izquierda’ y un ‘doble hacia la derecha’.
Como sabemos, hacia fines del siglo XVI y comienzos del XVII retornó la suite de branles. Al citarlos en esta época Curt Sachs dice:
“Los temas y los pasos de los distintos branles están muy mezclados y sin embargo conservan en toda su pureza los tipos y formas de la danza coral de la Edad Media; es más, hasta conservan las características de la primitiva danza coral”.
Thoinot Arbeau, quien vivió en esa época, describe veintitrés variedades de branles pero al referirse a la suite original manifiesta lo siguiente:
“Los músicos acostumbran empezar los bailes de un festival por un Branle Double, llamado Branle común y después tocan el Branle Simple, luego el Branle Gai (Branle alegre) y al final los Branles titulados Branles de Bourgogne y otros que algunos llaman Branles de Champagne. El orden de estas tres clases de Branles está dictado por los tres tipos de personas que toman parte en una danza. La gente mayor baila gravemente los Branles Doubles y los Branles Simples, los jóvenes casados bailan los Branles Gais y los más jóvenes bailan los Branles de Bourgogne.
Y todos los que toman parte en la danza se desempeñan lo mejor que pueden, cada uno según su edad, disposición y agilidad”.

Elementos físicos
doble hacia la izquierda duración musical: 4 c. (compás de 3/4)
1º mov. – El pie izquierdo avanza con un paso caminado hacia la izquierda.
2º mov. – El pie derecho avanza con un paso caminado hacia la izquierda.
3º mov. – El pie izquierdo avanza con un paso caminado hacia la izquierda.
4º mov. – El pie derecho apoya en media punta a la par de la mitad del izquierdo sin trasladar el peso del cuerpo.
doble hacia la derecha duración musical: 4 c. (compás de 3/4)
1º mov. – El pie derecho avanza con un paso caminado muy pequeño hacia la derecha.
2º mov. – El pie izquierdo avanza con un paso caminado muy pequeño hacia la derecha.
3º mov. – El pie derecho avanza con un paso caminado muy pequeño hacia la derecha.
4º mov. – El pie izquierdo apoya en media punta a la par de la mitad del derecho sin trasladar el pesodel cuerpo.

simple hacia la derecha duración musical: 2 c. (compás de 3/4)
1º mov. – El pie derecho avanza con un paso caminado muy pequeño hacia la derecha.
2º mov. – El pie izquierdo apoya en media punta a la par de la mitad del derecho sin trasladar el peso del cuerpo.
paso de branle gai duración musical: 2 c. (compás de 3/4)
Cada movimiento se efectúa en un tiempo musical, por lo tanto el 4º mov. se ejecuta en el 1º tiempo del 2º c. Además, durante el 2º y 3º tiempo del 2º c. los bailarines realizan una pausa permaneciendo detenidos con la misma posición de pies que finalizan el 4º mov.
1º mov. – El pie izquierdo avanza hacia la izquierda con un pequeño salto y al caer apoya de planta, recibiendo el peso del cuerpo; mientras tanto el pie derecho se desplaza hacia adelante y al aire sin elevarse mucho del piso.
2º mov. – El pie derecho avanza hacia la izquierda con un pequeño salto y al caer apoya de planta, recibiendo el peso del cuerpo; mientras tanto el pie izquierdo se desplaza hacia adelante y al aire sin elevarse mucho del piso.
3º mov. – ídem 1º mov.
4º mov. – ídem 2º mov.
El próximo paso comenzará nuevamente con el pie izquierdo.

estampie (siglos XII y XIII)
Es un baile de pareja independiente que también puede ser interpretado por un varón con dos mujeres.
Lo ejecutan con posición para pareja tomada desplazándose libremente por el espacio disponible y sin relacionarse con las otras parejas. Su coreografía tiene un comienzo y un final determinados. Antes de iniciar el baile los intérpretes se encuentran parados en 1ª posición, esto es, con los talones juntos y las puntas hacia afuera, repartiendo el peso del cuerpo entre ambas piernas.
Respecto de las posiciones Pierre Rameau dice: “Lo que se llama posición no es más que el separar o juntar los pies, de acuerdo a una distancia fija, mientras el cuerpo se mantiene erguido y en equilibrio sin ninguna apariencia de dureza, sea que uno camine, baile o quiera detenerse.
Estas posiciones fueron descubiertas gracias al empeño del extinto maestro Beauchamps, quien deseaba dar un fundamento definitivo a la danza. Antes de su época tales posiciones eran desconocidas, lo que prueba su profunda ciencia en este arte”.
Gilberte Cournand y Maryelle Krempff también citan al maestro Charles-Louis-Pierre de Beauchamps y al destacado Pierre Rameau cuando se refieren al origen de las cinco posiciones de los pies e incluso a las posiciones de los brazos.
Los pasos que se utilizan en la estampie son los siguientes: ‘doble hacia adelante’, ‘doble hacia atrás’, ‘simple hacia la izquierda’, ‘simple hacia la derecha’, ‘simple hacia adelante’, ‘simple hacia atrás’ y ‘paso de estampie gai’. Para efectuar cualquiera de ellos ambos bailarines comienzan con el mismo pie.
Orden coreográfico para la estampie simple:
1. doble hacia adelante
2. simple hacia atrás
3. doble hacia adelante
4. simple hacia atrás
5. doble hacia adelante
6. simple hacia atrás
7. simple hacia la izquierda
8. simple hacia la derecha
Orden coreográfico para la estampie doble:
1. doble hacia adelante
2. doble hacia atrás
3. doble hacia adelante
4. doble hacia atrás
5. simple hacia la izquierda
6. simple hacia la derecha
7. doble hacia adelante
8. simple hacia la derecha
9. simple hacia la izquierda
10. doble hacia atrás
11. doble hacia adelante
12. doble hacia atrás
13. doble hacia adelante
14. doble hacia atrás
Orden coreográfico para la estampie gai:
1. paso de estampie gai
2. paso de estampie gai
3. paso de estampie gai
4. paso de estampie gai
5. paso de estampie gai
6. paso de estampie gai
7. paso de estampie gai
8. paso de estampie gai
9. simple hacia adelante
10. simple hacia adelante (comenzando con el pie derecho)
11. doble hacia adelante
12. simple hacia atrás
13. simple hacia atrás (comenzando con el pie izquierdo)
14. doble hacia atrás; al finalizar este paso ambos bailarines sueltan las manos tomadas a la vez que se enfrentan
15. simple hacia adelante; durante los pasos 15, 16 y 17 cambian de lugares entre sí, tomándose con manos derechas a la altura de la cintura (el varón con la palma hacia arriba y la mujer hacia abajo)
16. simple hacia adelante (comenzando con el pie derecho)
17. doble hacia adelante; al finalizar este paso ambos bailarines sueltan las manos tomadas
18. simple hacia adelante (comenzando con el pie derecho); durante los pasos 18, 19 y 20 cambian de lugares entre sí, tomándose con manos izquierdas a la altura de la cintura
19. simple hacia adelante
20. doble hacia adelante (comenzando con el pie derecho); al finalizar este paso sueltan las manos
21. simple hacia adelante; a partir de este paso y hasta el final de la danza ambos bailarines se toman
de las manos como al comienzo
22. simple hacia adelante (comenzando con el pie derecho)
23. doble hacia adelante
24. simple hacia atrás
25. simple hacia atrás (comenzando con el pie izquierdo)
26. doble hacia atrás
Elementos físicos
posición para pareja tomada
Ambos bailarines, uno al lado del otro, ofrecen el mismo frente hacia donde se desplazarán y se toman con sus manos interiores. El varón coloca el brazo derecho semiextendido lateralmente y hacia adelante.
Ofrece su mano con la palma hacia abajo a la altura de la cintura, sujetando con el dedo pulgar la mano de la compañera mientras que con la mano izquierda se toma la cintura. La mujer, con idéntica posición
de brazo, coloca su mano izquierda debajo de la mano del compañero con la palma hacia abajo a la vez que apoya el dedo pulgar de la mano derecha (con la palma hacia abajo) debajo del busto.
doble hacia adelante duración musical: 4 c. (compás de 3/4)
1º mov. – El pie izquierdo avanza con un paso caminado.
2º mov. – El pie derecho avanza con un paso caminado.
3º mov. – El pie izquierdo avanza con un paso caminado.
4º mov. – El pie derecho avanza hasta cerrar en 1ª posición.
doble hacia atrás duración musical: 4 c. (compás de 3/4)
1º mov. – El pie derecho retrocede con un paso caminado.
2º mov. – El pie izquierdo retrocede con un paso caminado.
3º mov. – El pie derecho retrocede con un paso caminado.
4º mov. – El pie izquierdo retrocede hasta cerrar en 1ª posición.
simple hacia la izquierda duración musical: 2 c. (compás de 3/4)
1º mov. – El pie izquierdo efectúa un paso caminado lateralmente hacia la izquierda hasta colocarse en 2ª posición, es decir, con los talones separados y las puntas hacia afuera; entre los talones debe haber una separación equivalente al largo de un pie.
2º mov. – El pie derecho efectúa un paso caminado lateralmente hacia la izquierda hasta cerrar en 1ª posición.
simple hacia la derecha duración musical: 2 c. (compás de 3/4)
1º mov. – El pie derecho efectúa un paso caminado lateralmente hacia la derecha hasta colocarse en 2ª posición.
2º mov. – El pie izquierdo efectúa un paso caminado lateralmente hacia la derecha hasta cerrar en 1ª posición.
simple hacia adelante duración musical: 2 c. (compás de 3/4)
1º mov. – El pie izquierdo avanza con un paso caminado.
2º mov. – El pie derecho avanza hasta cerrar en 1ª posición.
simple hacia atrás duración musical: 2 c. (compás de 3/4)
1º mov. – El pie derecho retrocede con un paso caminado.
2º mov. – El pie izquierdo retrocede hasta cerrar en 1ª posición.
paso de estampie gai duración musical: 2 c. (compás de 3/4)
Cada movimiento se efectúa en un tiempo musical, por lo tanto el 4º mov. se ejecuta en el 1º tiempo del 2º c. Además, durante el 2º y 3º tiempo del 2º c. los bailarines realizan una pausa permaneciendo detenidos con la misma posición de pies que finalizan el 4º mov.
1º mov. – El pie izquierdo avanza con un pequeño salto y al caer apoya de planta, recibiendo el peso del cuerpo; mientras tanto el pie derecho se desplaza hacia adelante y al aire sin elevarse mucho del piso.
2º mov. – El pie derecho avanza con un pequeño salto y al caer apoya de planta, recibiendo el peso del cuerpo; mientras tanto el pie izquierdo se desplaza hacia adelante y al aire sin elevarse mucho del piso.
3º mov. – ídem 1º mov.
4º mov. – El pie izquierdo -mientras el pie derecho permanece en el aire- realiza un pequeño salto en el lugar y al caer apoya nuevamente de planta, recibiendo el peso del cuerpo.
El próximo paso comenzará con el pie derecho.
Alemanda (siglo XIV)
Es una danza de pareja independiente con la cual se inauguró la forma de bailar en procesión. Las parejas, una detrás de la otra, se disponen en el espacio donde se van a desplazar circularmente en elsentido contrario al de las agujas del reloj. También pueden bailar en línea recta desde un extremo a otrodel salón; en este caso parten de un extremo y al llegar al opuesto giran sobre sí mismas para regresar allugar donde comenzaron la danza.
Se utilizan los siguientes pasos: ‘simple hacia adelante’, ‘doble hacia adelante’ y ‘alemanda doble’. En todos ellos ambos bailarines comienzan con el mismo pie.
Antes de iniciar el baile los intérpretes se enfrentan entre sí, parados en 1ª posición. Los pasos del orden coreográfico numerados del 1 al 6 y del 11 al 16 se efectúan con ambas manos tomadas, esto es, varón y mujer enfrentados entre sí se toman con ambas manos a la altura de la cintura; el varón ofrece sus manos con las palmas hacia arriba mientras que la mujer apoya las suyas con las palmas hacia abajo sobre las manos del compañero.
Los pasos numerados del 7 al 10 y del 17 al 20 se ejecutan con posición para pareja tomada.
Orden coreográfico; se repite en continuidad hasta que los bailarines y músicos lo deseen:
1. simple hacia adelante; durante los pasos 1, 2 y 3 cambian de lugares entre sí por la izquierda
2. simple hacia adelante (comenzando con el pie derecho)
3. doble hacia adelante
4. simple hacia adelante (comenzando con el pie derecho); durante los pasos 4, 5 y 6 regresan a sus lugares por la derecha
5. simple hacia adelante
6. doble hacia adelante (comenzando con el pie derecho)
7. alemanda doble; durante los pasos 7, 8, 9 y 10 las parejas se desplazan en procesión
8. alemanda doble
9. alemanda doble
10. alemanda doble; en el 4º mov. de este paso el pie izquierdo avanza hasta cerrar en 1ª posición a la vez que los bailarines se enfrentan entre sí, tomándose con ambas manos
11. simple hacia adelante; durante los pasos 11, 12 y 13 cambian de lugares entre sí por la izquierda
12. simple hacia adelante (comenzando con el pie derecho)
13. doble hacia adelante
14. simple hacia adelante (comenzando con el pie derecho); durante los pasos 14, 15 y 16 regresan a sus lugares por la derecha
15. simple hacia adelante
16. doble hacia adelante (comenzando con el pie derecho)
17. alemanda doble; durante los pasos 17, 18, 19 y 20 las parejas se desplazan en procesión
18. alemanda doble
19. alemanda doble
20. alemanda doble; en el 4º mov. de este paso el pie izquierdo avanza hasta cerrar en 1ª posición a la vez que los bailarines se enfrentan entre sí, tomándose con ambas manos
Elementos físicos
posición para pareja tomada
Ambos bailarines, uno al lado del otro, ofrecen el mismo frente hacia donde se desplazarán y se toman con sus manos interiores. El varón coloca el brazo derecho semiextendido lateralmente y hacia adelante. Ofrece su mano con la palma hacia abajo a la altura de la cintura, sujetando con el dedo pulgar la mano de la compañera mientras que con la mano izquierda se toma la cintura. La mujer, con idéntica posición de brazo, coloca su mano izquierda debajo de la mano del compañero con la palma hacia abajo a la vez que apoya el dedo pulgar de la mano derecha (con la palma hacia abajo) debajo del busto.
Simple hacia adelante duración musical: 1/2 c. (compás de 4/4)
1º mov. – El pie izquierdo avanza con un paso caminado.
2º mov. – El pie derecho avanza hasta cerrar en 1ª posición.
doble hacia adelante duración musical: 1 c. (compás de 4/4)
1º mov. – El pie izquierdo avanza con un paso caminado.
2º mov. – El pie derecho avanza con un paso caminado.
3º mov. – El pie izquierdo avanza con un paso caminado.
4º mov. – El pie derecho avanza hasta cerrar en 1ª posición.
alemanda doble duración musical: 1 c. (compás de 4/4)
1º mov. – El pie izquierdo avanza con un paso caminado.
2º mov. – El pie derecho avanza con un paso caminado.
3º mov. – El pie izquierdo avanza con un paso caminado.
4º mov. – El pie izquierdo efectúa un pequeño salto en el lugar y al caer apoya nuevamente de planta, recibiendo el peso del cuerpo; mientras tanto la pierna derecha se eleva con la rodilla hacia adelante formando un ángulo recto.
El próximo paso comenzará con el pie derecho.
pavana (siglo XVI)
Es una danza de pareja independiente que también puede ser interpretada por un varón con dos mujeres. La ejecutan con posición para pareja tomada desplazándose libremente por el espacio disponible y sin relacionarse con las otras parejas.
La secuencia coreográfica se compone de dos pasos que se repiten en continuidad hasta que los bailarines y músicos lo deseen. Se utilizan los pasos ‘simple hacia adelante’, ‘doble hacia adelante’, ‘simple hacia atrás’ y ‘doble hacia atrás’ que ambos bailarines comienzan con el mismo pie. Si los intérpretes lo desean, pueden ejecutar toda la danza en avance continuo. Cuando una pareja se encuentra con otra o alcanza el extremo del salón debe efectuar una conversión que consiste en cambiar de frente sobre sí mismos mediante un retroceso del varón y avance de la mujer mientras que las manos tomadas hacen las veces de eje.
Thoinot Arbeau le explica a su discípulo Capriol: “Un noble puede bailar la pavana con capa y espada; vosotros, ataviados con vuestras vestiduras largas, caminando decorosamente con estudiada gravedad y la joven con porte casto y los ojos bajos, observando a veces a la concurrencia con modestia virginal. En cuanto a la pavana, ésta es ocasión para que los reyes, príncipes y grandes señores se exhiban en algún día de fiesta solemne, cubiertos con sus grandes mantos y vestidos de ceremonia; entonces, las reinas, las princesas y las grandes damas los acompañan dejando sueltas las largas colas de sus vestidos, que van arrastrando tras de ellas o haciéndolas llevar por sus damas otras veces. Estas pavanas, ejecutadas por oboes y sacabuches se titulan el Gran Baile y duran hasta que los que las bailan hayan dado vuelta al salón dos o tres veces, si es que no prefieren hacerlo por medio de avances y retrocesos”.
Por otra parte el Dr. Curt Sachs se refiere a ella como “una danza de pavo real: se bailaba orgullosa, ostentosamente”.
Orden coreográfico:
1. simple hacia adelante
2. simple hacia adelante (comenzando con el pie derecho)
3. doble hacia adelante
4. simple hacia atrás
5. simple hacia atrás (comenzando con el pie izquierdo)
6. doble hacia atrás

Orden coreográfico para ejecutar la danza en avance continuo:
1. simple hacia adelante
2. simple hacia adelante (comenzando con el pie derecho)
3. doble hacia adelante
4. simple hacia adelante (comenzando con el pie derecho)
5. simple hacia adelante
6. doble hacia adelante (comenzando con el pie derecho)
Elementos físicos
posición para pareja tomada
Ambos bailarines, uno al lado del otro, ofrecen el mismo frente hacia donde se desplazarán y se toman con sus manos interiores. El varón coloca el brazo derecho semiextendido lateralmente y hacia adelante. Ofrece su mano con la palma hacia abajo a la altura de la cintura, sujetando con el dedo pulgar la mano de la compañera mientras que con la mano izquierda se toma la cintura. La mujer, con idéntica posición de brazo, coloca su mano izquierda debajo de la mano del compañero con la palma hacia abajo a la vez
que apoya el dedo pulgar de la mano derecha (con la palma hacia abajo) debajo del busto.
simple hacia adelante duración musical: 1 c. (compás de 2/4)
1º mov. – El pie izquierdo avanza con un paso caminado.
2º mov. – El pie derecho avanza hasta cerrar en 1ª posición.
doble hacia adelante duración musical: 2 c. (compás de 2/4)
1º mov. – El pie izquierdo avanza con un paso caminado.
2º mov. – El pie derecho avanza con un paso caminado.
3º mov. – El pie izquierdo avanza con un paso caminado.
4º mov. – El pie derecho avanza hasta cerrar en 1ª posición.
simple hacia atrás duración musical: 1 c. (compás de 2/4)
1º mov. – El pie derecho retrocede con un paso caminado.
2º mov. – El pie izquierdo retrocede hasta cerrar en 1ª posición.
doble hacia atrás duración musical: 2 c. (compás de 2/4)
1º mov. – El pie derecho retrocede con un paso caminado.
2º mov. – El pie izquierdo retrocede con un paso caminado.
3º mov. – El pie derecho retrocede con un paso caminado.
4º mov. – El pie izquierdo retrocede hasta cerrar en 1ª posición.

Bibliografía
Arbeau, Thoinot: Orquesografía (Centurión, Bs. As., 1946 [1ra edición, Orchésographie, Langres, Francia, 1588])
Aricó, Héctor: Material obtenido en los cursos de perfeccionamiento profesional “Zgodovinski plesi” (Bailes históricos),
efectuados mediante dos becas de estudios en la Escuela de Folklore de verano de Eslovenia, Yugoslavia
(1982) y en la Escuela de Ballet de Ljubljana, Eslovenia, Yugoslavia (1985)
Bourcier, Paul: Historia de la danza en occidente (Blume, Barcelona, 1981 [1ra edición, París, 1978])
Cournand, Gilberte; Krempff, Maryelle: Danses de Cour Nº 1 [Danzas de corte Nº 1] (París, 1960)
Horst, Louis: Formas preclásicas de la danza (Eudeba, Bs. As., 1966 [1ra edición, New York, 1953])
Rameau, Pierre: El maestro de danza (Centurión, Bs. As., 1946 [1ra edición, Le maître à danser, París, 1725])
Sachs, Curt: Historia universal de la danza (Centurión, Bs. As., 1944 [1ra edición, Alemania, 1933])
Vega, Carlos: El origen de las danzas folklóricas (Ricordi, Bs. As., 1975 [1ra edición, 1956])

Fuente: Academia de Folklore de la República Argentina (http://academiadelfolklore.com)